El arte

El arte es una expresión de un sentimiento mediante signos exteriores ; como son las esculturas , las vestimentas , las pinturas , las fotografías ... e incluso un papel arrugado o un edificio . 
Gracias a la observación y el estudio de esta ciencia cualquiera puede crear arte .

En general el concepto de arte puede reducirse a dos: utilidad y belleza. El arte útil, se limita a satisfacer necesidades materiales y puede extenderse a la mayoria de las profesiones humanas; el arte bello, se concreta a realizar la belleza en sus varias manifestaciones, por lo cual se la denomina Bellas Artes. Existe un término medio entre las artes meramente útiles y las esencialmente bellas: las artes mixtas, que combinan lo útil con lo estético.
Artes Utiles: albañilería, carpintería y demás que se comprenden bajo el nombre de manuales o industriales.
Artes Bellas: pintura, escultura, música, arquitectura y literatura.
Artes Mixtas:
a. Artes útiles-bellas: ebanistería, decoración, tapicería, etc.
b. Artes bello-útiles: obras famosas de ingeniería: puentes, túneles, etc.

Técnica de dibujo para lápiz y sombreado

Un dibujo no es solamente la transcripción gráfica de la realidad o de algo imaginado.

Graduación y clasificación de los lápices

Los lápices de dibujo están graduados desde el 6B (muy blando) al 8 o 9 H (muy duros).
Muchos lápices en el mundo, se clasifican con el sistema europeo que usa una gradación continua descrita por "H" (para la dureza) y "B" (para el grado de oscuridad). El lápiz estándar para escritura es el HB.
Hoy en día, el sistema de clasificación de lápices se extiende desde muy duro con trazo fino y claro, hasta blando de trazo grueso y oscuro, abarcando desde el más duro al más blando.

Principalmente pueden usarse como cuando se escribe, pero la inclinación u horizontalidad de la superficie de trabajo, el material, etc., indicarán las posiciones indicadas para cada trazo en cada situación.

En la primera etapa del dibujo (boceto, croquis, esbozo..) puede hacerse con cualquier graduación si es en borrador, pero cuando es definitivo conviene hacerlo con un lápiz intermedio o semiduro.

La técnica de sombreado básica admite dos formas: con trama abierta o cerrada.
El lápiz se usa en un ángulo cerrado, aumentando o disminuyendo la presión, dando como resultado sombreados como los del gráfico: zigzag abierto, líneas paralelas cerradas y líneas separadas.

Otra técnica es el "Cross Hatching," que es un tramado cruzado. Dibujas una serie de líneas diagonales y luego inclinas el papel y dibujas otra serie de líneas que las crucen. Se puede obtener una menor o mayor oscuridad según la separación que le dejes entre las líneas.

Otra técnica es el "Circulismo," que consiste en dibujar una serie de círculos pequeños que se superponen entre sí. No es necesario que los círculos sean perfectos, solamente hacerlos lo suficientemente pequeños y juntos. La oscuridad de la sombra depende del tamaño de los círculos que dibujemos asi como la presión que hagamos con el lápiz. El Circulismo es muy útil para dibujar la piel de las personas, ya que el acabado es irregular. Para este caso es bueno hacer los círculos suavemente.

Finalmente, estas tres técnicas mencionadas se pueden complementar con el Suavizado. Utilizando un trozo de papel normal, alguna tela suave o un esfumino mezclamos el grafito que pintamos en nuestro dibujo. El resultado es un color uniforme, suave.

El claroscuro

Es la utilización de la luz y la sombra dentro de una imagen plástica, cuando la utilización de valores altos (claros) y bajos (oscuros) hace referencia a la realidad. En la realidad se dan objetos de formas muy diversas, que reflejan la luz de maneras también diferentes, pero a pesar de esta aparente variedad existen dos modos en la relación con la sombra: uno es el contraste, cambio violento del valor con límite definido y otro es el pasaje, degradación continua de la luz a la sombra.

Los contrastes los encontramos en los cuerpos con aristas, en los límites de una figura que se recorta contra un fondo y en las sombras proyectadas, mientras que los pasajes aparecen en las superficies curvas o en la pérdida de intensidad de una luz a medida que se aleja de su fuente. De esta manera podemos decir que una cara plana de un volumen lleva un gris uniforme que termina definidamente, mientras que una curva presenta un valor constante cambiante.

Las características de las sombras en su forma y en su valor dependen de las formas del objeto, siempre que nos ocupemos de las sombras propias, o sea, las que están adosadas a los objetos y dan sensación de volumen.
Las sombras proyectadas, que son las que producen los objetos sobre un plano de fondo o sobre otros objetos. Las formas de estas sombras dependen de la forma del objeto que las proyecta, de la superficie sobre la que caen y de las características de la luz que ilumina al objeto. De esta manera un mismo objeto puede producir diferentes sombras proyectadas en la medida en que varíen los otros factores.

La percepción de los volúmenes depende siempre del contraste que se establezca entre estos y el fondo por medio de las luces y las sombras.

En la figura distinguimos un cubo perfectamente recortado contra el fondo, en cambio en el caso de la esfera la variación constante de tono hace que siempre en algún lugar del contorno se establezca una semejanza con el tono del fondo y se pierda la fuerza de cierre y diferenciación de la forma produciéndose la apertura de la figura. Este fenómeno se puede dar también en el cubo cuando haya coincidencia entre el tono y el fondo y el de cualquiera de sus caras.

El valor de las sombras depende del tono de los objetos, ya que un objeto oscuro tendrá una sombra oscura y una luz que en ningún momento llegará a ser blanca, sino que podrá en algún caso tener el mismo valor que la sombra de un objeto blanco.

La función del valor en la composición es triple:
1. Organizar el equilibrio jerarquizante de los elementos por medio del contraste.
2. Apoyar la expresión mediante el uso de claves.
3. Representar los volúmenes y configurar el espacio utilizando adecuadamente el pasaje
y el contraste.

El valor

El color de un objeto lo percibimos en tres dimensiones: por un lado vemos su grado de claridad u oscuridad lo cual se denomina valor; con posterioridad identificamos de que color es el objeto a esto se denomina tinte, tono o matiz y por último veremos el grado de pureza que tiene el color, a esto se le denomina saturación. Por lo tanto las tres propiedades que vemos de un color son tinte, valor y saturación.
El valor se presenta en una escala de valores que van del blanco al negro en una gradación de 9 valores.

Contraste de Valores:
Diferencia esencial de luminosidad en el campo de la percepción que hace posible la visión, lo que sería imposible en un campo totalmente homogéneo.
Las diferencias en la percepción visual se originan en 2 factores: las cualidades de las fuentes de luz y el reflejo de la luz sobre la superficie de los objetos en el campo visual.

Organizados en una escala de nueve grados, reconocemos tres zonas marcadamente diferenciadas: la de valores altos (claros), intermedios y bajos (oscuros).

Claves
El predominio de una de estas zonas en una composición determinará la expresión de la misma. A esta selección de los valores la denominaremos claves tonales.

Estas claves pueden ser de acuerdo a su grado de claridad u oscuridad altas, intermedias o bajas y de acuerdo con su extensión, es decir, con la cantidad de grados de valor que incluyen, mayores o menores.
En las claves mayores el valor que predomina puede estar acompañado por blanco y negros, permitiéndose así un máximo de contraste. En las claves menores la cantidad reducida de valores impone resultados de contrastes menos violentos.

Características formales y expresivas de las claves tonales:

Clave mayor alta:
Áreas mayores de grises altos y blanco. Valores muy bajos y negro
distribuidos en áreas pequeñas. Es una clave estimulante, expositiva,
adecuada para retratos de juventud y efectos exuberantes, luminosos.

Clave mayor intermedia:
Las grandes áreas deben corresponder a los grises medios y otras
más reducidas a valores altos y bajos o blanco y negro. Es una clave
franca, fuerte, pintoresca.

Clave mayor baja:
Gris oscuro distribuido en áreas mayores: los valores muy altos, el
blanco y el negro en áreas menores. Su efecto es dramático,
violento, utilizado para asuntos de notable fuerza expresiva.

Clave menor alta:
Las grandes áreas corresponden a valores altos y blancos, con áreas
pequeñas de gris medio. Es de fondo, atmosférico, aplicada en
escenas de efecto sutil.

Clave menor intermedia:
Grises medios con acentos de grises claros y oscuros, sin blanco ni
negro puros. Su efecto es delicado y tranquilo, aunque es necesario
controlar el contraste para que no resulte monótona.
 Clave menor baja:
Gran extensión de gris oscuro y negro con acento de gris medio o
claro, ausencia de blanco. Es una clave sombría, misteriosa, triste,
apropiada para asuntos irreales o efectos melancólicos.

Grafismos

El grafismo tiene una serie de conceptos al combinar elementos entre sí.
Agrupaciones: conjuntos de elementos relacionados mediante proximidad, semejanza, continuidad o simetrías.
Forma: tanto de cada elemento gráfico aislado como de las agrupaciones de elementos.
Contornos: partes límites de los elementos, que permiten distinguirlos de los demás y del fondo, pudiendo estar definidos mediante cambios de color o de saturación.
Ubicación: lugar que ocupa cada elemento gráfico o agrupación de ellos en el espacio de trabajo.
Tamaño: de cada elemento gráfico respecto los que le rodean.
Color: de cada elemento individual, de cada agrupación de elementos, disposición relativa de los elementos con color y armonía entre colores.
Contraste: intensidad de visualización de cada elemento con relación a los que le rodean y al grafismo completo.
Equilibrio: cada grafismo conlleva un sistema de referencia espacial que consigue un nivel de equilibrio mayor o menor.
Simetría/Asimetría: disposición espacial de los elementos que forman la composición gráfica.

História del dibujo

El ser humano siempre ha tenido la necesidad de representar todo lo que le rodea, el medio más ameno para realizar este deseo era el dibujo . Los primeros dibujos se remontan en el Paleolítico , hace 35.000 años, cuando el Homo sapiens representaba sobre las superficies rocosas de las cuevas o sobre la piel de los abrigos, animales que cazaba.
Más tarde, los egipcios supieron valerse de este arte para decorar las construcciones más imponentes de la historia; las pirámides. Había pasado miles de años y el dibujo había evolucionado substancialmente. Se había pasado de la composición monotonal y estática de la prehistoria al equilibrio, minuciosidad y colorido de las representaciones teológicas en templos y santuarios.
Habría que avanzar hasta el S.VI a.C. para encontrar, en los griegos los máximos representantes del equilibrio en el dibujo. Preocupados por centrarse en la expresión cándida humana, la despojan de todo abalorio o connotación sobrenatural, consiguen centrarse y obtienen las proporciones consideradas armónicas hasta el momento. He aquí la unidad y avenencia entre la realidad y la figura.
 
Los romanos, 500 años después aportaron la diversidad que faltaba. Mantener otro imperio sobre un territorio tan extenso precisaba de un ejercito y una disciplina ejemplar para subyugar a tantas culturas diversas sobre el mismo mando. Eso, facilitó, en cierta parte, el abandono de lo artístico y ornamental para acercarse a una doctrina más práctica y útil para esa época; hacían falta sólidas edificaciones con las que mantener la autoridad sobre los continuos ataques de los invasores. Obtuvieron en el dibujo el medio para reflejar lo que serían las próximas construcciones. Surgieron los primeros planos y con ellos nació la arquitectura. El dibujo técnico ya precisaba de mayor técnica y conocimientos matemáticos que lo que se había forjado hasta el momento.


De la Edad Media, S.VIII-S.XV, es donde se conservan un numero mayor de obras integras. Durante esta etapa predomina las representaciones vivaces. Vuelve a imponerse la espectacularidad y los aderezos, sin dar oportunidad a actuar al color; simplemente es el trazo el encargado de marcar el detalle. La invasión árabe introduce un revolucionario soporte para el dibujo y la pintura: el papel. Invención china que facilitará que la ilustración deje se ser una actividad exclusiva de monjes sobre pergaminos de cañas y piel, para convertirse en algo más alcanzable para la población. Es a partir de ese momento cuando se puede manifestar el fulgor del color. Cabe destacar, también, la introducción al uso de la pluma metálica o la tinta como la conocemos actualmente.



Desde Italia y avanzando entre la etapa gótica, segunda mitad del S.XV, el Renacimiento se desarticula de lo religioso. Ahora lo importante es reconocer la belleza y saberla expresar. Basándose en la civilización artística grecorromana (renace lo antiguo), vuelve a imponerse lo natural y escueto. Los magnates se dejan reflejar sus bustos en multitud de retratos. De la mera decoración arrinconada, el desnudo femenino empieza a adueñarse de los temas principales en las creaciones y se vuelve al estudio de la figura humana. El dibujo asciende a lo volumétrico gracias a las nuevas técnicas de coloreado. El juego de luces y sombras, junto con la perspectiva, acerca aún más la realidad al dibujo. Una manifestación de artistas demuestran este nuevo desarrollo: el Greco, Miguel Angel, Sandro Boticelli, Leonardo da Vinci.
Éste último destaca sobre los demás por su afán de investigación. Recoge bajo sus obras estudios de anatomía, invención de artilugios y una nueva manera de utilizar la iluminación en el dibujo. El esfumato disipa la línea cerrada del contorno del dibujo para aumentar de profundidad y con ello, lo que se persigue desde entonces: el acercamiento a lo natural. Por tanto el dibujo deja de ser algo espontáneo y subjetivo para convertirse en una verdadera disciplina.
El Barroco, que se estira hasta el S.VII, utiliza hasta la exageración todos los

 recursos aportados durante el Renacimiento para expresar desde la calamidad de la pobreza hasta lo fastuoso de la riqueza. Se rompe le rectitud y la uniformidad en las representaciones pictóricas y se intenta al máximo conmover y atraer al espectador.
A partir del S.XIX se rompe la continua uniformidad que había seguido el dibujo y se bifurca en multitud de estilos: romanticismo, realismo, impresionismo, expresionismo, fauvismo, cubismo, futurismo, surrealismo... No obstante, todos ellos utilizan lo aportado hasta la fecha como herramienta para expresar nuevos enfoques de la sociedad que están viviendo.

Tipos de dibujo

Dibujo

El Dibujo es un arte visual en el que se utilizan varios medios para representar algo en un medio bidimensional. Los materiales más comunes son los lápices, la pluma estilográfica, crayones, carbón. Es la expresión de una imagen que se hace en for ma manual, es decir, se usa la mano para realizarlo. El dibujo es el lenguaje universal.
 
Dibujo lápiz
Desde la prehistoria los hombres utilizaron el dibujo como una forma de comunicación, por medio de figuras de tamaño reducido, ubicados en rocas, covachas y el interior de cuevas. Desde estos tiempos muy remotos se ha usado un lenguaje universal, un lenguaje gráfico, que permitió a los más antiguos hombres comunicar sus ideas.

Tipos de Dibujo

De acuerdo con lo que se desea representar o hacia donde se debe enfocar, el dibujo se clasifica en:

Dibujo Artístico: El "Dibujo Artistico" se define como el tipo de dibujo que sirve para expresar ideas filosóficas o estéticas así como sentimientos y emociones. El artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las ve emocionalmente de acuerdo con su propia y peculiar manera de percibir la realidad de su entorno. Este tipo de dibujo requiere aptitudes especiales como las personales y naturales. 

Dibujo Técnico: Se dice que el "Dibujo Técnico" es el lenguaje gráfico universal técnico normalizado por medio del cual se manifiesta una expresión precisa y exacta y, su objetivo principal es la exactitud precisamente. Las aptitudes para esta clase de dibujo por lo general son adquiridas, es decir, que se llega a él a través de un proceso de conocimiento y aprendizaje. Que se subdivide en "Dibujo Técnico Especializado", según la necesidad o aplicación los más utilizadas o difundidos en el entorno técnico y profesional. Cada uno se caracteriza porque utiliza una simbología propia y específica generalmente normalizada legalmente. 

Dibujo Geométrico: Es aquel que se representa por medio de gráficas planas. Dibujo geométrico constituye un verdadero y novedoso sistema de enseñanza estructurado para garantizar, tanto al alumno de los primeros años de las Escuelas Técnicas como a los de las Facultades de Arquitectura e Ingeniería -bachilleres o peritos mercantiles- un rápido manejo y posterior dominio de la mano sobre el plano. 

Dibujo Mecánico: El dibujo mecánico se emplea en la representación de piezas o partes de máquinas, maquinarias, vehículos como grúas y motos, aviones, helicópteros y máquinas industriales. Los planos que representan un mecanismo simple o una máquina formada por un conjunto de piezas, son llamados planos de conjunto; y los que representa un sólo elemento, plano de pieza. Los que representan un conjunto de piezas con las indicaciones gráficas para su colocación, y armar un todo, son llamados planos de montaje. 

Dibujo Arquitectónico: Al introducirnos en el dibujo arquitectónico nos ubicamos en la concepción visual que altera el paisaje urbano, los espacios físicos de una obra o infraestructura civil y que es elaborada a escala de reducción para luego ser representada a una escala real o natural, tiene como finalidad ayudar al hombre en su contexto social, cultural e interdisciplinario con su ambiente, forma parte de lo que en fenomenología explica el porque, según las experiencias humanas, se logra una mejora en la calidad de vida. La arquitectura ayuda a moldear la forma de vida de una sociedad y del individuo colectivamente.
El dibujo arquitectónico, abarca una gama de representaciones gráficas con las cuales realizamos los planos para la elaboración de edificios, casas, quintas, autopistas etc.
Se dibuja el proyecto con instrumentos precisos, con sus respectivos detalles, ajuste y correcciones.
 
Técnica de Dibujo a Lápiz
 
La técnica del dibujo a lápiz

Ya conocemos el lápiz y sus características. Es el momento de empezar a dibujar con él.

¿Cómo lo haremos?

Lo primero de todo es afilarlo, tal como hemos dicho anteriormente:
El n. 2 con una punta fina, pero no tanto que pinche.
El n. 1 con una punta algo más redondeada que la del 2.
A nuestro lado tendremos el raspador y la goma.

¿Cómo vamos a coger el lápiz?

Lo mismo que cuando lo usamos para escribir, pero un poco más arriba. Véalo, para mayor claridad, en la siguiente figura.

El lápiz no debe nunca apretarse sobre el papel de tal modo que lo raye y quede una hendidura por allí donde pasa. No hay necesidad de apretarlo. Si usted desea que una línea salga de un negro intenso y no lo consigue, lo que debe hacer, en lugar de apretar, es utilizar otro lápiz de mina más blanda, que le dará el resultado que desea sin necesidad de presionarlo.
El lápiz debe apretarse más o menos entre los dedos, según el tipo de trazo que haga:

1.) Si se trata de un trazo amplio o queremos rellenar zonas de negro con trazo largo y rápido, no lo presionará usted apenas. Lo tendrá cogido entre los dedos índice, corazón y pulgar y dejará resbalar la mano con suavidad sobre el papel, apenas rozándolo.


2.) Si se trata de un trazo más cuidado y menos largo, que tenga que seguir un camino determinado, al dibujar algo pequeño, por ejemplo, entonces lo apretará más entre los dedos y la mano la tendrá también más presionada contra el papel, siendo los dedos meñique y pulgar los que estarán tocándolo y los que resbalarán sobre él siguiendo la dirección del trazo.
En este caso el lápiz se cogerá un poco más abajo que como hemos indicado.


El trazo
Conseguir un trazo firme, que no sea tembloroso, un trazo decidido, hecho sobre el papel sin miedo, es una de las cosas que, desde el principio, deben a usted preocuparle más.
El trazo NO debe ser por unos lados más grueso que por otros, tembloroso o sin continuidad.


El trazo debe ser así: seguro, limpio, seguido.


Ejercicios de trazos

Para adquirir un dominio del lápiz, lo primero que debe hacer es dibujar trazos verticales, Horizontales e inclinados.
Las siguientes figuras le servirán de muestra.


Vea cómo debe actuar:

Utilice el lápiz blando, el n. 1 con la mina redondeada. Gástela un poco en otro papel del que vaya a utilizar haciendo, unos trazos rápidos para igualar las irregularidades que pudiera haber en ella. Empiece después, siguiendo estas indicaciones:

1.) Tenga el lápiz cogido con firmeza. Igualmente tenga apoyada la mano con seguridad sobre el papel (pero no la presione de tal forma que no tenga libertad para hacerla correr sobre el mismo).

2.) No apriete el lápiz sobre el papel. El tenerlo cogido con firmeza, no quiere decir que lo deba apretar contra el papel. No. Usted lo tiene cogido con firmeza, pero lo pasa sobre el papel con suavidad.

3.) No haga los trazos despacio. Hágalos con rapidez, de un solo "golpe" decidido, uno tras otro. No se preocupe si unos trazos son más largos que otros. Lo que debe preocuparle por ahora es que salgan seguros y firmes.

4.) El modo de ir haciendo la serie de trazos que constituyen estos ejercicios, debe ser así: haga usted 5 o 6 trazos sin mover la mano del sitio donde esté apoyada. Córrala después un poco hacia la derecha y siga con otros 5 o 6. Así hasta el final. Es mejor que ir haciendo resbalar la mano de una forma seguida.

Una vez haya practicado mucho estos ejercicios de líneas rectas, pase a hacer lo mismo con líneas curvas, concretamente las líneas de las siguientes figuras:


Le recomendamos que trabaje de acuerdo con las siguientes indicaciones:

1.) Las curvas las dibujará menos deprisa que las rectas, sin que esto quiera decir que vaya con lentitud, un poco más despacio que como ha hecho las rectas.
La causa de esto es que debe ir prestando constantemente la mayor atención a como le sale el trazo, que, ya sabe, debe ser seguro, limpio.

2.) Para estos ejercicios deberá coger el lápiz, si cabe, con mayor firmeza que cuando ha hecho las rectas, ya que se trata de trazos de mas detalle. Esto se debe a que es preciso tenerlo aún más dominado. Sin embargo, siga pasándolo sobre el papel con suavidad. Mayor aún que cuando ha dibujado rectas.

Debemos hacerle una advertencia más. Se trata de un problema de trazo con el que usted tendrá que enfrentarse cuando deba hacer una línea larga que haya de presentar un perfil limpio y seguro. Esta línea no la puede hacer de una sola vez seguida, pues por muy buen pulso que usted tenga no le saldrá bien. Debe conseguirla a base de pequeños trazos unidos, enlazados de modo que no se noten las uniones. Vea usted cómo se realiza esto en las figuras siguientes:


Ejercicios de manchas

En el dibujo, no sólo hay líneas, también hay manchas de negro más o menos intenso. Estas superficies oscuras requieren, para su realización, una técnica diferente que la empleada para la línea.
La mancha por otro lado es la base misma del sombreado.

Hay dos formas de manchar que nos interesan ahora a nosotros:

1. Conseguir una superficie negra o más o menos gris, uniforme, sin que se noten unos sitios más oscuros que otros, ni se perciban las líneas del lápiz.


2. Conseguir una graduación de tonos. Desde el negro hasta el gris más claro.

Utilice para estos trabajos el lápiz blando; es decir el n. 1. Para el ejercicio de conseguir una mancha que vaya desde un negro intenso a un gris suave, afílelo en bisel. Después de esto póngase a trabajar. Antes, corno hicimos ya al realizar los trabajos de línea, pase la punta del lápiz sobre un papel aparte, dos o tres veces, con el fin de igualar cualquier irregularidad que haya en ella. Después, de izquierda a derecha, comience a dibujar la mancha a base de líneas en zig-zag, entre las que no habrá separación, tal como lo ve en esta figura.


Ejercicio de iniciación al dibujo de objetos

Después de las prácticas anteriores puede ya intentar dibujar cosas: una botella y un vaso sobre un plato, y una taza sobre un plato con una cucharilla dentro.



Lo primero que debe hacer es proveerse de estos elementos una botella, un plato, un vaso, una taza y una cucharilla. Después colocarlos del mismo modo que están situados en las figuras anteriores y dibujarlos.

Pero teniendo en cuenta lo siguiente:

a) No copiará de los dibujos de las figuras anteriores sino sólo de la botella, taza, vaso y plato que tendrá usted delante. A esto se llama dibujar del natural.
b) No dibujará usted, sombras, puesto que no sabe aún. Dibujará sólo a base de línea, igual que lo ve en las citadas figuras anteriores.
c) Se colocará usted de modo que vea de los modelos, sólo lo alto y lo ancho, pero no lo grueso. Es decir, de modo que sólo los vea en dos dimensiones: longitud y anchura. Para aclarar esto vea las siguientes figuras:

Su posición ante el modelo debe ser ésta. El modelo debe estar a la altura de sus ojos. Es el modo de que lo vea plano, en sólo dos dimensiones: alto y ancho.


El encaje
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Se llama encaje a unas líneas que sirven para marcar las proporciones de un dibujo.
Es decir, el encaje nos sirve para que un dibujo no nos salga desproporcionado.
Veamos ahora como son estas líneas, cuando y como se trazan.
Vea las siguientes figura, las líneas que ve en el dibujo de la izquierda son el encaje de la botella de la figura a la derecha.


En ellas están marcadas la altura, la anchura, el comienzo del ensanchamiento del cuello y el final del mismo, así como el punto donde el cuello es más grueso, Y también a base de rectas, la forma de dicha botella.

Todas estas señales hacen que podamos empezar el dibujo sobre ellas con la seguridad de que nos salga bien.

¿Cuándo se hace el encaje?

SIEMPRE ANTES que el dibujo. He aquí el camino a seguir.
1.) Observamos la botella real que tenemos delante y vemos su altura y anchura

2.) Hacemos después un cuadro que tenga proporcionalmente, esta anchura y altura.
Todo esto usando el sistema para calcular proporciones y medidas usando el lapiz o regla antes mencionado, y trasladando las medidas al papel.
También trazamos un eje central que nos ayudará a dibujar iguales la parte derecha de la botella y la izquierda. Es decir, nos ayudará a que salga simétrica. Esta altura y anchura la calculamos a ojo mirando la botella.

3.) Después podemos trazar alguna línea auxiliar más, tales como la que señalan el comienzo del ensanche del cuello de la botella y el final de dicho ensanche, donde la botella comienza a bajar recta hacia abajo. También una línea que marque el sitio donde el cuello es más grueso y el recuadro de la embocadura.

4.) Por último, a base de trazos rectos, dibujamos la forma de la botella, de modo que nos queda terminado el encaje tal como le vemos en esta figura:

5.) Sobre esto dibujamos la botella definitiva y borramos las líneas del encaje:

El encaje lo hará usted con un lápiz más duro que con el que haga, el dibujo definitivo. El lápiz para hacer el encaje estará muy bien afilado y lo pasará muy suavemente sobre el papel con el fin de que pueda borrar después las líneas con facilidad.

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Una forma de dibujar

El arte de dibujar es como cualquier otro hobby; nadie comienza siendo perfecto. Ya seas un caricaturista, un fanático de las naturalezas muertas o si solo dibujas por diversión con un lápiz y papel para imprimir, siempre podrás mejorar tus técnicas. Hay varias maneras de mejorar tus habilidades de dibujo, algunas de ellas son obvias, y otras no tanto pero igualmente necesarias.

INSTRUCCIONES

1. Dibuja. Este es uno de los métodos "obvios". La mejor manera de mejorar tu dibujo es dibujando. Mientras más practiques, mejor serás.
2. Observa lo que te rodea. Dibujar no se trata solo de poner el lápiz en el papel; se trata de observar. Ya sea que dibujes desde tu imaginación o uses modelos, necesitarás ser un buen observador para ser un buen artista. Mira todo lo que te rodea, observa cómo se ve tu ambiente y piensa activamente cómo transferir lo que ves al papel. La observación activa mejorará el nivel de tus habilidades.
3. Lee sobre el tema. Puede que esto te sorprenda, pero no eres el único artista del mundo. Otros artistas han escrito libros útiles sobre el tema. Estudia libros o sitios web dedicados a técnicas de dibujo o tutoriales, y lee material dedicado a ayudarte a mejorar tu arte.
4. Dibuja más. Sí, esto ya ha sido mencionado, pero solo porque es la mejor manera para mejorar tus habilidades. Todo el estudio y la observación del mundo son inútiles a no ser que practiques tu arte activamente. Nunca mejorarás si no pones ese lápiz contra el papel y crees esos dibujos.

Cómo dibujar un Bugatti con colores - Cómo dibujar un carro super deportivo

Explicación de los géneros de anime

Esta es una expolición de que significa: shonen, shojo, etc. que nombran todo el tiempo.

Shounen: Orientado a chicos jóvenes. Los Shonen son para publico masculino, mucha violencia y batallas, aunque no en todos los casos.
Shojo: Orientado a chicas jóvenes. Las series Shojo son mangas hechos para publico femenino, muy románticos en general.
Yaoi: Plantea relaciones homosexuales entre hombres. El Yaoi y el Shonen ai son los mangas que relatan historias de amor entre hombres, el primero se diferencia del segundo en el contenido, ya sea explícito o no. El yaoi muestra generalmente escenas de sexo entre hombres, en cambio, el Shonen ai es un poco mas suave en ese sentido.
Yuri: Plantea relaciones homosexuales entre mujeres. El Yuri y el Shojo ai es el amor entre mujeres, al igual que el yaoi, el yuri es explicito y el Shojo ai no.
Shoujo ai y Shounen ai: Son como el Yaoi y el Yuri pero sin sexo.
Mechas: El manga Mecha es donde muestran robots gigantes. Seria un gnero basado en los super robots, no abarca todo el ambiente del Sci-fi porque el resto de los aspectos de ese género se encuentran dentro del Cyberpunk.
Ecchi: Es sensual, no llega sere Hentai, sino que es mas bien erótico. El Ecchi muestra escenas presentando situaciones medio sexuales llevadas a la comedia.
Hentai: El Hentai es el anime pornográfico, la palabra significa literalmente pervertido. Directamente es Porno.
Harem: Es cuando a muchas mujeres les gusta el mismo hombre. El Harem Reverso en lo mismo que el harem solamente que es alreves, muchos hombres son atraídos por una misma mujer.
Kemono: Es cuando humanos tienen rasgos de animales o viceversa.
Magical Girlfriend: Muestra una historia sobre una relación entre un ser humano y un alienigena, un dios o un robot.
Gekiga: Es el término usado para los anime dirigido aun público adulto (No tiene nada que ver con el hentai)literalmente significa "imágenes dramáticas''.
Cyber punk: Es la historia sucede en un mundo devastado.
Anime progresivo: Es la animación hecha con propósito de emular la originalidad.
Mentantei: Es sobre detectives. El Meitantei es una historia policiaca.
Romakome: Es una comedia romántica.
Sentai: Es un anime que se trata sobre un grupo de superhéroes.
Spokon: Este es un subgénero del Shounen también, y abarca las series que tratan sobre deportes. El Spokon son historias deportivas.
Gore: Muestra escenas crudas de sangre, violencia y desmembramientos. El genero Gore es literalmente sangriento.
Bishoujo y Bishounen: Son como el shoujo y el Shounen pero con protagonistas excesivamente hermosos.
Seinen: Trata temáticas complejas y maduras y esta orientado a un publico masculino.
Josei: Es como el Seinen pero esta orientado a un público femenino.
Komodo: Es con mascotas amgicas y criaturas, como Pokemon.
Yon Koma: Comedia Absurda. Asi como Shin chan.
Shotacon y Lolicon: Muestra situaciones amorosas o eroticas entre un personaje menor de edad o sea un niño o niña con un mayor. Medio pedofílica la cuestion.
Gakuen: Este genero se desarrolla en el ambiente escolar, todas las relaciones y emociones giran en torno a los estudiantes.
Mahokka: Este es el caso de las magical girl o magical Princess.
Mahō shōjo: Es el anime magical girl, chica bruja o con poderes mágicos.

Esos son todos los géneros de anime.

Series Shonen

Los anime y manga shōnen típicamente se caracteriza por ser series con grandes dosis de acción, a menudo situaciones humorísticas con protagonistas masculinos. El compañerismo entre adolescentes o adultos de un equipo de combate (o algo asi) también suele subrayarse en un shōnen. También suele haber personajes atractivos femeninos (como en el bishōjo o fanservice), cabe destacar que tampoco es obligación. El arte de estilo de shōnen en general es menos florido que el de shōjo, aunque esto varía mucho entre los mangakas. En realidad "Shonen" no es un género de ningun tipo, en realidad Shonen es el termino demográfico que se usa para referirse al manga y anime dirigido especialmente a hombres adolescentes.
Más allá del género shōnen, está el género para los hombres, el seinen.